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Workshops

Demonio! Demonio!

Bedwyr Williams e Tai Shai

7–10 Febbraio, 2017

lingua: English

 

Un laboratorio filmico e di performance condotto da Bedwyr Williams e Tai Shani che esplora le rappresentazione del “sé Demoniaco”. Il workshop prevede la costruzioni di costumi e la scrittura di un monologo e si conclude con un film che attinge da un esperienza vergognosa personale accaduta in passato con l’intento di proiettare una versione demoniaca emancipata del se nel futuro. La magnifica città di Torino funzionerà come sfondo per costruire questo malevolo e teatrale autoritratto.

 

Il workshop incorporerà anche visite al Museo di Cesare Lombroso e CESNUR Centro Studi Nuove Religioni e luoghi della città, che saranno utili come spunti al progetto, e visite alla Piazza Statuto con il Monumento ai Caduti del Frejus ed al Palazzo del Diavolo.

 

 

Giorno 1

Bedwyr Williams e Tai Shani faranno una presentazione delle loro opere passate che si riferiscono ai temi del laboratorio, introdurranno il laboratorio e gli obiettivi del corso. Nel pomeriggio visita al museo di Cesare Lombroso il padre dell’ antropologia criminale italiana positivista ed a siti torinesi che si riferiscono alla magia bianca e nera per fornire alcuni spunti di riflessione.

 

Giorno 2

I partecipanti prenderanno parte ad esercizi progettati per prendere in giro i loro alter ego demoniaci prima di lavorare agli script per i loro monologhi.

 

Giorno 3

Visita al mercato delle pulci di Porta Palazzo, con la possibilità di approvvigionamento costumi poco costosi e oggetti di scena. Pomeriggio riprese di monologhi e la revisione di filmati come gruppo

 

Giorno 4

Conclusione del workshop

  • Biography Bedwyr Willams

    Bedwyr Williams (nato nel 1974 a St Asaph, Galles, vive a Caernarfon, UK) ha conseguito il BA presso la Central St Martins College of Art and Design, Londra UK (1997) e il MA presso Ateliers Arnhem, NL. Utilizza media differenti come la performance, il film e la scrittura per esplorare l’attrito tra gli aspetti banali e quelli terribilmente seri della vita moderna. Williams è noto inoltre, per la sua satira sul rapporto tra artista e curatore, per cui costruisce scenari assurdi dove si svelano queste relazioni. Più recentemente ha esplorato, attraverso il video, il tema della distopia e il senso dell’esistenza del genere umano nell’universo. Ha esposto in numerose mostre collettive internazionali. Tra le sue prossime e recenti mostre personali Barbican Curve Gallery, Londra, UK; Limoncello, Londra, UK (2016); The Whitworth, Manchester, UK; VISUAL, Carlow, IRL; g39, Cardiff, UK; Vestjyllands Kunstpavillion, DK (2015); Tramway, Glasgow, UK for Glasgow International; MOSTYN, Llandudno, UK (2014); Welsh Pavilion for 55th Venice Biennale, Venice, IT (2013); IKON, Birmingham, UK (2012); and Kunstverein Salzburger, AT (2011). Nel 2015 era finalista al Film London Jarman Award e nel 2016 è finalista per Artes Mundi 7.

     

  • Tai Shai

    La pratica multidisciplinare di Tai Shani ruota attorno a testi sperimentali, che si alternano tra narrativa e prosa teorica, per esplorare la costruzione di soggettività, in relazione al realismo post-patriarcale. Il progetto a lungo termine di Shani “Continente Nero Productions” comprende film e spettacoli, che formano una mitologia che concettualizza la nozione di’epica’ per testare le potenzialità della politica e dell’ ideologia femminista, e re-immaginare un mondo post-patriarcale. Shani ha presentato il suo lavoro nel Regno Unito e all’estero, tra cui Tensta Konsthall, Stoccolma (2016); Serpentine Gallerie (2016); IMMA, Dublino (2016); Schirn Kunsthalle, Francoforte (2015); Hayward Gallery, Londra (2014-15); Arnolfini, Bristol (2013); Matt Gallery, Londra (2012) e FRAC Nord-Pas de Calais e Festival Loop, Barcelona (2011).

  • Alumni Biographies

     

    SARA BONAVENTURA is a visual artist with a MA in Art History. As independent videomaker she has been collaborating with performers and musicians, such as Carla Bozulich and the Canadian Constellation Records, vjing, directing clips, adv. Her works have been screened in Italy and abroad; recently, at the Anthology Film Archives, NewFilmmakers NY series, and for Other Cinema at San Francisco ATA Gallery; she won the Veneto Region Award at the 10th Lago Film Fest in 2014, she has been selected for several residencies, at Frans Masereel Centrum (Belgium), at Signal Culture (USA) and by Joan Jonas at Fundacion

    Botin (Spain). She was video-making even before shooting. Trying to keep the fragments together through the montage. If the surface cracks, the crack becomes the surface; that break means intensity. Points of intensity and not sutures, to convey freedom of sense, instead of constrictions of meaning. www.s-a-r-a-h.it

     

     

     

     

    ELENA BELLANTONI (Vibo Valentia, 1975) lives and works between Berlin and Italy. After graduating in Contemporary Art at La Sapienza University in Rome, she studied in Paris and London, where in 2007 she received an MA in Visual Art at WCA University of Arts London. Deepens the dance-theater and the performing arts, her research focuses on the concepts of identity and otherness through relational dynamics that use the language and the body. In 2007 she constitutes Platform Translation Group, in 2008 she co-founded 91mQ art project space Berlin, and in 2015 she creates Wunderbar cultral Project. Among the solo shows: 2016 Hale Yella goodbye / adios Viamoroni Spazioarte Bergamo; 2015 Lucciole Alviani Space, Pescara; 2014 Passo a Due, Careof DOCVA, Milan; Dunque siamo .. Foundation Filiberto Menna to Archaeological Museum of Salerno. Among the group shows, 2016: Beyond Borders. Transnational Italy to British School at Rome; The picutre Club, American Academy in Rome, Al-Tiba9 Algiers Bardo National Museum, Algeria; 2015: Masterpieces from the Farnesina Collection. An Italian art look from the fifties to the present day, Museum of Contemporary Art in Zagreb, Croatia. Among the residencies, 2016: Soma Residency Mexico City, Mexico; 2014: Careof Residency Program DOCVA Milan, Italy.

    2014: Talent Prize, Repubblica.it prize. 2013 first prize FestArte / Factory for the contest I colori del Mondo, Macro Pelanda. 2012: NGBK prize – Neu Gesllschaft für Bildende Kunst -project In Other Words, realized at Kunstraum Kreuzberg Bethanien and NGBK Berlin. 2010 participates at Italiens – junge Kunst project in der Botschaft, Italian Embassy, ​​Berlin. 2009 she won the Movin’up G.A.I. Turin for a project in Santiago de Chile. 2008 residency with the artist Francis Alys 98weeks project space, Beirut. Public collections: 2014 she enters in the Farnesina Collection, at the Ministry of Foreign Affairs, Rome.

     

     

     

     

    EDMUND COOK is an artist who lives and works in London.

    His work currently revolves around staging speculative performance scenarios with sculptural objects that investigate the instabilities and contingencies of communication and technology. These are frequently presented in installations incorporating video and sound.

    He graduated with an MFA from Piet Zwart Institute in Rotterdam in 2012.

    Recent solo exhibitions include Fig 2 at the ICA, London (2015) and ‘They Unduloping’ at Parkour in Lisbon (2014).

    Recent group exhibitions and projects include ‘Her Eyes and My Voice’ Issue Launch at Gasworks (2016), ‘Please Stand By’ at Chisenhale Art Place and ‘Mega Armageddon Death’, The One Minutes selected by Nathaniel Mellors, Touring (Both 2015). He is preparing a solo exhibition at Galería Bacelos in Madrid, opening in March 2017.

     

     

     

    JÜRGEN DEHM is a German writer and exhibition maker. He holds an MA in German Literature from the University of Regensburg, Germany, and a post-graduate degree in Curating and Critical Writing from the Ruhr-University Bochum, Germany. Latest projects include exhibitions at the Museum der Moderne Salzburg, Austria, the Museo de la Ciudad in Querétaro, Mexico, and several gallery shows in Germany and Austria. From July–December 2013, Jürgen was a curatorial fellow at Schloss Ringenberg in Hamminkeln, Germany. From 2007–2013, he led seminars on the history of art and art theory at the Free University of Berlin. Jürgen’s research focuses on the epistemology of the moving image, in particular the crossover between experimental film culture and the art world.

     

     

     

     

    CARL GENT is an artist, writer and musician from Bexhill-on-sea, UK. He obtained his MFA in Fine Art from Goldsmiths College, London (2015) and his BA (Hons) in Fine Art from UCA, Farnham (2013). Recent exhibitions and performances include Wiðercwedolu þá Glésincga, The Residence Gallery, London; De Regreso a la Isla, Casal Solleric, Mallorca; L’Heure Verte: 1st Tasting, Green Ray, London; Questions for Meliza hosted by cosmoscarl.com; Tongue of the Preinoculated #2, Museum of Technology, Cambridge; The Space of No Exception, Sokol Gallery, Moscow; Ground Ground, Cafe Oto Project Space, London; and Bad Truth for the IV Moscow Biennale for Young Art.

    Working across installation, text, performance and print, Gent combines texturally allergic and incompatible materials in an aim to erode the associative histories embedded within them. Be it absinthe, 21st century urban architecture or the romantic landscapes employed by cinematic corporatism, a humiliation of meaning is attempted. In place of this robbed signification is the desire for a clearing that can permit other voices to be heard. Liberation from material anthropocentricism is attempted.

     

     

     

     

    AOIBHEANN GREENAN is a Dublin-based artist working at the intersection of visual art and experimental theatre. Her performative installations expose the processes by which culture and identity are evaluated in our techno-globalised era. Frequently myth and pop culture collide, conjuring fictional subcultures that challenge hegemonic modes of social being. By engaging in strategies that foster audience participation, Greenan’s work seeks to disrupt ideologies of self and other that underlie our current system. Greenan’s work has been selected for solo exhibitions at, among others: Import Projects, Berlin (2016); The RHA, Dublin (2016, 2014); Temple Bar Gallery, Dublin (2015); Roscommon Arts Centre (2013); EVA International, Limerick (2012); The Lab, Dublin (2011) She has presented solo performance events at, among others- The KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2016) and Project Arts Centre, Dublin (2014).

     

     

     

     

    JAIME GONZÁLEZ CELA (Madrid, 1984) and MANUELA PEDRÓN NICOLAU (Granada, 1988) are independet curators and educators. Their work as collective is focused on the research about mediation processes within the curatorial practice and the ability of contemporary art to create narratives in order to explore political and social contexts. Manuela and Jaime has curated Art fiction at CaixaForum Barcelona, the winning project in the call for young curators Comisart (2013), C.I.T.I (Technically Unpredictable Investigation Centre) a program of exhibition, activities and actions developed at Sala de Arte Joven in Madrid (2015) and they have participated in the selection committee of Archivo de Creadores, Matadero Madrid. As curatorial team, they have received as well curatorial fellowships at the Spanish Academy at Rome (2015-16) and at Hangar (2016), Barcelona.

     

     

     

     

    INDA PERALORTEGA (b. 1977, Stuttgart, Germany, based in Amsterdam and London) earned a BA at Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam (2010) and a MA with Distinction at Goldsmiths, University of London (2016).

    Her investigation has a focus on development of the creative self in combination with politics of pleasure, using the framework of art&life as space for radical experimentation. His work unfolds interdisciplinary, fluctuating between mixed media installations and unrequested anonymous performances/interventions often based on paradox and humor. Their recent exhibitions include living plants as discursive element on a queer lab for exploration of new social forms.

    Her work has been purchased by private collectors along the years and after degree show a piece also penetrated in the Frédéric de Goldschmidt collection.

     

     

     

     

    CAMILLE TSVETOUKHINE (1987) is an artist based in Paris. She is graduate from the School of Fines Arts, Angers (Fr) and HEAD Geneva (Ch). She participated in group exhibitions at Glassbox (Paris), Zoo Galerie (Nantes), Biennale de Belleville (Paris), Gallery Luis Adelantado (Valencia), Forde (Geneva) and solo exhibitions at Salon (Madrid), Galerie Interface (Dijon), Halle Nord (Geneva). In 2016, She was part of a residency program called Emma initiated by Veronica Valentini in partnership with Matadero (Madrid).

    In her work she projects the image of life as a theatrical performance and creates micro-fictions that resemble daydreams. Inspired by popular culture as much as anthropology, cinema, art history, these pieces are filled with references, sometimes hidden in small details. She develops innovating narrative gestures, which fully incorporate the creative process. Attached to a DIY aesthetic, she makes all the accessories, sets and costumes herself. It is understood that the artist likes to play with the visual codes and symbols. Tsvetoukhine develops a definitely fun & pop universe, where exaggeration, superficiality and artificiality are put forward.

     

     

     

     

    AMBIKA THOMPSON lived her past life in an alternative universe that had everything sorted out including herself. In this universe she can’t recall what happened in her past-life so she’s resorted to living in Berlin where she is a parent, writer, and musician. She’s contributed short stories to various publications including Electric Literature, NPR Berlin, The Missing Slate, Fanzine, and Plenitude. Currently she’s working on two novels set in the 80s that are filled with cold war blizzards, swathes of neon, friendly neighbourhood zombies, ouija boards, Jehovah Witnesses, shiny sprinkles of sarcasm and many lovelies doing queer. She’s the fiction editor of Leopardskin & Limes, and one half of the cello riot grrrl duo Razor Cunts and her favourite colour is rainbow. http://ambikathompson.com

     

     

     

     

    LUCIA VERONESI graduated in Painting at the Academy of Fine Arts of Brera, Milan. She moved to Venice in 2003. She works with video, collages, paintings and drawings. Her research deals with video and a more material and pictorial work at the same time: they often interact and one influences the other. In the last years her work has focused on the concept of desire and possession, in particular on hoarding, a mental disorder that drastically changes domestic space. Recently she is working on the concept of landscapes considered from different perspectives, through different meaning: collage, painting, video, photography. She is interested in the alteration of landscape trying to grasp the moment in which new visions come out and other landscapes are created. Her videos were selected for several national and international festival: 32.Torino Film Festival, Video Art Summer Nights, Tel Aviv, Israel, Muff 10 Montréal Underground Film Festival, Mnemonic City Lisbon, B_L_I_N_K_K_K_K Festival #1, Brussels, OODAAQ Festival, Rennes, France, FACADE Video Festival 2013, Plovdiv, Bulgaria, Videoholica International Video Art Festival, Varna, Bulgaria
    Lago Film Fest, Revine Lago, Treviso, Obliqua Festival, Lisbon, OtherMovie 4, Lugano Film Festival, Videoyearbook, Bologna.

    Her works were exhibited in several galleries and museums in Italy and abroad, her recent exhibitions include Fuori una gran notte di stelle, galleria Muratcentoventidue. Bari (solo show), Atrii Sezione Piani, ArtVerona 2016, Shine on your Crazy Diamond, Cervignano del Friuli, Carrus Navalis, Dimora Artica, Milan, Epicentri, Terme di Como romana, The End Of Certainty, Muratcentoventidue, Bari, Accumulation, Mars/The Others Art Fair 2015, In Piena Presenza, Yellow, Varese (solo show), Partners Mars, Milan (double solo show), Premio Terna 05, Tempio di Adriano, Rome, Italy.
    She is co-founder of Spazio Punch, a non profit space located in Giudecca, Venice. www.luciaveronesi.com   www.spaziopunch.com

     

     

     

     

    SAUL WILLIAMS is an artist and writer, and other things, from Fife, Scotland, who lives and works in London, and in the proliferating wreckage of modernity.

Future Ruins: Reading the City, Writing its future

Kapwani Kiwanga e Mirene Arsanios

11–14 aprilE, 2017

lingua: English

 

Perché i racconti di finzione emergono? Che cosa cercano di affrontare e / o porre rimedio?

Questo workshop guidato da Mirene Arsanios e Kapwani Kiwanga esplora il format dei racconto di finzione come strumento che consente la proiezione e l’immaginazione di nuovi futuri. Spesso i racconti di finzioni pongono un forte accento sulla costruzione di mondi alternative e città immaginifiche. Seguendo questo metodo, il seguente workshop considera la città di Torino sia come un palcoscenico che come una risorsa da cui far partire varie escursioni programmate. La storia e l’architettura della città faranno da spunto per iniziare discussioni sulla realtà urbana circostante, e il modo in cui questa potrebbero essere ri-immaginata e ri-scritta. La speculazione immaginifica, del resto, non è un esercizio di fantasia selvaggia; piuttosto prevede un’interrogazione su ciò che può essere immaginato e perché.

 

Testi di narrativa di finzione, film e brani audio funzioneranno da catalizzatori per esplorare e discutere esempi di artisti che hanno fatto ricorso alla fiction per sopportare atti di oppressione ed ingiustizia politica. I partecipanti sono invitati a proporre storie alternative e ad immaginare altri futuri della città e non solo, in qualsiasi modello narrativo che preferiscono (performance, testi, suoni, immagini, presentazione orale, ecc ..). Lo sviluppo di queste nuove narrazioni sarà accompagnato dai leader del workshop e arricchito dai suoi partecipanti in un ambiente solidale e sperimentale. Un posto speciale sarà riservato per l’esame delle voci femministe nell’ambito delle produzioni speculative. In particolare, questo ultimo focus, si propone di offrire ai partecipanti come una “cassetta degli attrezzi” per prendere in considerazioni altri esempi di modelli artistici periferici che utilizzano la speculazione di finzione.

 

 

 

Giorno1

  1. Introduzione al wokshop e presentazioni (1/2 giorno)
  2. Workshop sul perché fiction speculativa emergere ed in quali contesti (ragionando su differenti contesti storici e politici)
  3. introdurre punti di partenza della storia di Torino relativi alle visite programmate

 

Infine una prima breve escursione

Testo: Dhalegren / Renee Gladman

 

Giorno 2. attenzione al pensiero femminista

Mattina Teoria e analisi temi femministi

Proiezione di film-Born in Flames

Testo: Butler / Hopkinson

 

Pomeriggio escursione in città

 

Giorno 3.

Discussione finale e sintesi

Laboratorio con idee e proposte dei partecipanti

Presentazioni

 

Giorno 4.

Mattina – discussione di gruppo e considerazioni finali

  • Kapwani Kiwanga

    Kapwani Kiwanga confonde volutamente verità e finzione nel suo lavoro, con lo scopo di stravolgere narrazioni dominanti, creando spazi in cui il discorso immaginario e marginale può diffondersi. La passione di Kiwanga per la tradizione orale genera una continua esplorazione delle possibilità formali della narrazione nelle sua performance, così come nei suoi lavori audio e video. Kiwanga ha studiato antropologia e religioni comparate presso la McGill University, in Canada; ha partecipato ai programmi di residenza d’artista presso L’Ecole National Supérieure des Beaux-Arts, Parigi (Francia); Le Fresnoy: National Contemporary Art Studio (Francia); MU Foundation, Eindhoven (Netherlands); Le Manège, Dakar, Senegal. I suoi lavori film e video sono stati nominati per due edizioni di BAFTA e sono stati premiati in film festival internazionali. Ha presentato il suo lavoro presso il Centre Pompidou, Parigi, (2006, 2013), Foundation Ricard (2013, 2014, 2015); Glasgow Centre of Contemporary Art, (2008); Paris Photo (2011), Bienal Internacional de Arte Contemporáneo, Almería. Tra le sue mostre personali recenti: The Armory Show (New York), South London Gallery (Londra), Jeu de Paume (Parigi), FIAC (Parigi), Ferme de Buison (Noisel, FR), 1:54 (Londra), Le Granit (Belfort, FR), Galerie Tanja Wagner (Berlino). Mostre collettive recenti EVA biennial (Limerick) Berlino, Ethnographic Museum (Berlino), Goodman Gallery (Johannesburg), Swedish Contemporary Art Foundation, Irish Museum of Modern Art (Dublino),  Galerie Marian Goodman (Parigi), Fondation Ricard (Parigi), Salt, (Istanbul), Tiwani Contemporary (Londra), Temporary Gallery(Cologne), Museo deArte Contemporaneo de Castilla y Léon (Léon). In preparazione due mostre personali nel 2017 a Power Plant (Toronto) e Logan Centre for the Arts (Chicago).

     

  • Mirene Arsanios

     

    Mirene Arsanios è l’autore di The City Outside the Sentence  (Ashkal Alwan, Beirut, 2015). I suoi scritti sono apparsi in pubblicazioni come The Brooklyn Rail, The RumpusThe Animated Reader, e The Outpost tra gli altri. Ha co-fondato il collettivo di 98weeks Research Project a Beirut ed è il fondatore di Makhzin, una rivista letteraria bilingue. Ha conseguito un Master in Teoria dell’Arte al Goldsmiths College e un MFA in scrittura al Bard College. Attualmente vive a New York, dove è stata 2016 LMCC Workspace resident.

Coming soon

20–22 Giugno, 2017

lingua: english

  • Coming soon

City under the sea

LOUISE HERVÉ E CHLOÉ MAILLET

12–15 Settembre, 2017

lingua: english

 

Il laboratorio prende il titolo da un film di Jacques Tourneur del 1965, che a sua volta cita una famosa poesia di Edgar Allan Poe “La città nel mare”. Si concentrerà sulla elaborazione collettiva di una performance basata sul materiale di ricerca raccolti durante la preparazione del film di Herve&Maillet, The Waterway.

 

Alcune teorie del 18 ° secolo che riguardano il cambiamento epocale dell’ambiente marino e l’aumento dell livello del mare hanno portato scrittori, come Benoît de Maillet, ad immaginare la nostra vita passata come uomini-pesce. Queste teorie sono state re-interpretate attraverso una serie di film di fantascienza che raffigurano uomini-pesce e altri miti riguardanti mondi sottomarini e città sommerse, come Atlantide e Ys. Il workshop prevede una collaborazione con un biologo marino che si occupa dell’ interazione tra gli esseri umani ed i delfini la cui conservazione è drammaticamente messa in pericolo dalla vicinanza umana. Il workshop esplora archeologia subacquea e l’immaginario della vita eterna subacqueo in relazione ad esseri viventi del mondo non umano e di quello umano in eterno conflitto nell’area del Mediterraneo.

 

Metodologia

Robert Filliou una volta ha affermato “L’arte è ciò che rende la vita più interessante dell’arte”.

Per questo workshop, Herve&Maillet introdurranno il loro metodo di lavoro come duo: esse credono che a volte è necessario dimenticare i riferimenti artistici, e dare un’occhiata più da vicino al mondo scientifico, per vedere come l’arte può interferire.

 

Le artiste hanno un duplice obiettivo: il primo è quello di sperimentare, insieme con i partecipanti del laboratorio, diversi punti di vista sulla biodiversità subacqueo a partire da un punto di vista ambientale e biologico, compresa la ricerca sul ciclo di vita umana e non umana insieme, e le nozionid di’invecchiamento e di conservazione dei corpi. Motivo per cui faremo visita all’Acquario di Genova, per incontrarecon un biologia marina ricercatore.

In secondo luogo, le artiste cercheranno di immaginare insieme con i partecipanti del workshop, come trasmettere questa esperienza attraverso una performance.

 

Il seguente workshop è collegato al film The Waterway  che le artiste hanno prodotto nel 2014 che narra la storia di un gruppo di persone che si reinventano come creature acquatiche immortali.

 

GIORNO 1

Primo incontro, presentazione e introduzione al workshop. Storie: le artiste presentano il loro lavoro in particolare concentrandosi su alcune delle loro performance passate focalizzate sul tema della biologia subacquea ed il mito di Atlantide.

 

GIORNO 2

Acquario: visita all’acquario di Genova, incontro e discussione con un ricercatore in biologia marina.

 

GIORNO 3

I partecipanti lavoreranno in gruppi sull’idea di trasmissione e narrazione (gruppi diversi con diversi compiti: ricerca, scrittura, messa in scena, l’interpretazione …). Insieme si decidera’ se presentare una performance pubblica.

 

GIORNO 4

Conclusione del workshop

 

Bibliografia e filmografia

Verrà fornita una bibliografia e filmografia in anticipo. L’attenzione si concentra su immagini scientifiche, idee, e immaginari sulla vita sottomarina.

  • LOUISE HERVÉ E CHLOÉ MAILLET

    Louise Hervé e Chloé Maillet vivono e lavorano entrambe a Parigi. La loro pratica è incentrata sulla messa in scena di varie forme di discorso. Tessendo insieme fatti storici, dati autobiografici ed estratti da film di fantascienza e libri didattici, il duo costruisce narrazioni e storie che amalgamano coincidenze rilevanti del passato, così come predizioni sul futuro. Le mostre personali includono Kunsthal Aarhus (2016), Vancouver Contemporary Art Gallery (2013) Kunstverein Braunschweig (2012); Centre d’art contemporain la Synagogue de Delme (2012); Kunsthaus Glarus (2012); and FRAC Champagne-Ardenne, Reims (2011). Mostre di gruppo includono Liverpool Biennal, UK (2014), CAC Vilnius (2014) Oxford Moden Art, UK (2013), La Triennale de Paris, Palais de Tokyo, Paris, France (2012); Centre d’art contemporain de Genève (2011).

Bando

Il BANDO

Il bando è aperto ad artisti, curatori, ricercatori e autori di diverse discipline (performance, musica, cinema, danza, teatro, letteratura, etc) che lavorino o che abbiano uno spiccato interesse nel campo delle arti visive. Sono ammessi candidati maggiorenni, di qualsiasi nazionalità.

La lingua di The Institute of Things to Come è l’inglese, di cui è richiesta una conoscenza base.

The Institute of Things to Come si compone di quattro workshop, della durata di quattro giorni ciascuno. I workshop si svolgeranno negli spazi della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo da febbraio a settembre 2016.

Le domande pervenute saranno valutate dai curatori del progetto con lo staff curatoriale della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo e gli artisti in visita.

 

 

COSTI E BORSE DI STUDIO

È possibile fare domanda d’ammissione per un singolo workshop (costo 250 euro) o per coppie di workshops (costo 400 euro), da selezionare nella lista di seguito.

 

Tutti i partecipanti ai quattro moduli di The Institute of Things to Come riceveranno una borsa di 200 euro per la copertura di quattro notti di pernottamento con prima colazione in stanze condivise, presso le strutture del B&B Portmanteau (www.portmanteau.it). Nell’appartamento sono presenti postazioni di lavoro con tavoli.

Inoltre The Institute of Things to Come prevede due borse di studio per merito a completa copertura del costo di partecipazione. Una terza borsa a completa copertura del costo di partecipazione è fornita dalla ditta Formech (http://formechitalia.it ) specializzata nella produzione di macchine per la termoformatura sottovuoto.

 

I partecipanti ammessi riceveranno comunicazione entro la fine del mese di dicembre. Le borse di studio verranno assegnate dai curatori del progetto in base a criteri di merito.

Nel gennaio 2017 i nomi dei selezionati saranno pubblicati sui siti di The Institute of Things to Come e della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo.

 

I curatori del progetto sono pronti a rispondere a qualsiasi domanda o dubbio a questo indirizzo: info@theinstituteofthingstocome.com

 

Applica

Per presentare la domanda di partecipazione è necessario compilare il modulo sottostante con la seguente documentazione:

1 – copia di un documento valido d’identità(max 5 MB)

2 – una breve lettera motivazionale (max 2000 caratteri) (max 5 MB)

3 – Curriculum Vitae (3 pagine max) e\o portfolio (max 10 pagine) in un singolo file (max 5 MB)

 

Se volete applicare per una scholarship, semplicemente menzionatelo nella lettera motivazionale

 

Il materiale dovrà essere inviato, entro il 1 GIUGNO 2017.

 

COME APPLICARE

Moduli:

Allegare i seguenti file:

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